不知从什么时候起，MBTI开始频繁出现在我们的日常生活中，这些4个字母的组合，仿佛是一串神秘的代码，成了继星座、占卜、血型之后，年轻人之间开启话题的又一社交货币。
小编惊喜地发现，排除一些特例，从总体趋势上来说，i人和e人在审美取向和艺术喜好上有着惊人的差异性。体现了作为一个火遍大江南北的16人格测试的可取之处。下面就由小编抛砖引玉，看看这份清单，是否也是你心中所想？
“i人”的内心往往细腻且敏感，较为关注自我的内部状况，如内心情感、思想等，喜欢享受独处的时光。通过静下心来思考，去审视生活，提升自我。画面平和、更为内敛的艺术形式或许更能得到i人的欢心。
极简主义是第二次世界大战之后兴起的一个艺术派系，又可称为“Minimal Art”，具有鲜明的特点。作品仅仅是点线面的组合，突出形式和色彩。这个艺术流派的前身可以追溯到俄国的至上主义和美国的色域绘画。
当代的极简主义渐渐升华成一种生活方式、消费观念及对于物品的取舍之价值观。其最核心的主张便是“少即是多”（less is more），旨在于丢弃和删减对于生活中不重要、替代性高、不真正喜欢的物品，来获得对于生活上、视觉上、居住空间上的拓展, 获得心灵上的平静及思考的空间。这不是正中i人下怀！
唐纳德·贾德（Donald Judd,1928—1994）是美国的一名极简主义艺术家。他在作品中探索物体和其创造的空间的本质特点，追求没有层次的极自然展现。虽然他的某些作品看似激昂，甚至挑战了极简主义，但仍被视为极简主义最重要的代表者。
《无题》1992—1993年/2020年 一套共二十幅木刻版画 （镉红、镉黄、镉橙、群青，天蓝、钴蓝、永固绿、翠绿、黑色、茜红）韩国手工纸 单幅：60cm × 80cm
《无题》1991年 透明阳极氧化铝、棕色丙烯酸板材 25cm×100cm×25cm
德国艺术家莱因哈德·罗伊的作品涉猎绘画、雕塑、摄影、设计和建筑等领域，用其极简、抽象的画风给人以非常深刻的印象。他的创作理念和想法总是以设计图为基础，艺术家也遵从设计师一样以精确的方法创作。灵感来源于音乐及大自然。
罗伯特·莱曼被《》首席艺术评论家罗伯塔·史密斯（Roberta Smith）称为“二战后出现的最重要的美国艺术家之一”的他，还有着一段颇为传奇的经历。在做职业艺术家前，莱曼是一名警卫，就职于MoMA。1954年开始绘画的 他用一种经验主义的方式，以白色与方形为不变量、将媒介和材料设为变量，呈现着绘画最基本的定义：平坦的表面、几个固定的悬挂边角，然后涂抹颜料——消除多余的形、色、思，这就是一件画作的全部。
《无题 (橙色)》1955—1959年 艺术家认为自己的第一件成熟作品 图源MoMA
“观念艺术”一词最早出现在激浪派艺术家、哲学家亨利·弗林特（Henry Flint）1961年的文章《论观念艺术》（Essay: Concept Art）中，他用此词来描述自己的表演和艺术体验。观念艺术家确信艺术出自观念，他们把观念、思想当作艺术作品本身，拒绝绘画、雕塑这类传统的艺术形式，反对把艺术品当作商品。观念艺术无关形式或材质，而关乎思想和内涵；它不能以任何介质或风格定义，定义它的是其质疑艺术本质的方式。
河原温是日本观念艺术家，最为人熟知的系列是日期绘画的今日系列。他从 20世纪50年代开始从事艺术活动，按偏向于具象的平面艺术作品。之后从 1965年左右开始常驻纽约。移居美国后，他的作品在风格和概念上与20世纪 50年代的具象作品完全不同，变得更加概念化，侧重于“时间”和“存在”的主题。自1966年开始创作“今日”系列以来，河原温一直隐藏着自己的真实形象：他从未在画册中透露过自己的生平，也不说自己的实际年龄，从未在公众面前露面，从未用自己的语言谈论过自己的作品，也没有任何近期的肖像或访谈。
美国艺术家约瑟夫·科苏斯是观念艺术最早的先驱以及主要代表人物。他在艺术⽣涯中始终保持其思想核⼼见解的完整性与严谨性，即在艺术创作的一个复杂结构中，“视觉”只是作品表现中的一部分，并不是最为主要成分。特别是在语⾔范畴内，他运用引⽂、名字和释义，在视觉作品中重构新含义。通过研究那些定义艺术是什么的特定领域，提出关于艺术的呈现与接收的本质问题。他在视觉艺术之外的语境中为他的作品提取成分：哲学、⽂学、历史、流⾏⽂化、字典、科学理论和语⾔学等。
约瑟夫·科苏斯肖像 2018年/ © 约瑟夫·科苏斯 致谢艺术家与阿尔敏·莱希 摄影 : Peter Lindbergh
《一把和三把椅子》 1965年 纽约现代艺术博物馆收藏 / © 约瑟夫·科苏斯—致谢艺术家和纽约现代艺术博物馆
“存在主义时间”展览现场 阿尔敏·莱希 巴黎 2022 / © 约瑟夫·科苏斯 致谢艺术家和阿尔敏·莱希
《四种颜色四个字》1966年 紫、红、黄、蓝色霓虹 10cm×197cm
“约瑟夫·科苏斯常设展”展览现场 马格里特博物馆 2019年 © 约瑟夫·科苏斯 致谢艺术家和马格里特博物馆
i人的能量从独处中获得。在众多的艺术品门类之中，天生自带“沉静内敛”属性的中国书画，最适合不过。在中国书画中“卧游”，对热爱独处的人是一大福音。
e人倾向于将注意力和精力投注在外部世界，外在的人事物，更能引起他们的好奇心和探索欲。社交可以带给e人满满的能量。充满个性、自我张扬色彩的艺术形式或是e人首选。
街头艺术是在公共场所创作的视觉艺术，通常是未经批准的艺术作品。常见的形式和媒体包括喷漆涂鸦、模版涂鸦、海报艺术、贴纸艺术、街头装置和雕塑。适合在外部获取能量的e人在citywalk中感受艺术。
从20世纪90年代开始活跃于巴黎涂鸦界的街头艺术家Julien “Seth” Malland，总会用他的独特创意和温柔的画风，令平淡无奇的建筑物外墙焕发出无限的活力。在他环游世界的系列作品 “globepainting”中，随处都能看到融合当地风土、文化而创作出来的儿童肖像画。他的涂鸦作品同样以立体的创作为主，比如彩虹墙壁上向里窥探的少年、趴在墙面上眺望蓝天的少女等。
美国艺术家让-米歇尔·巴斯奎特是20世纪80年代美国新表现主义运动的领军人物。1981年前，巴斯奎特的创作主是街头艺术，1981年—1984年是他创作的高峰期。皇室、英雄主义和街道是其作品的三大元素，他将街头艺术与绘画相结合，以他惊人的创造力和对政治的敏锐感觉形成其独特艺术风格。1988年，巴斯奎特去世时，他已经是知名的顶级艺术家。如今，他是艺术品市场上最有价值的艺术家之一。
作为20世纪80年代街头艺术的推动者，艺术家Eric Haze算是其中一位重要人物。那时，他曾与让-米歇尔·巴斯奎特（Jean-Michel Basquiat）和吉斯·哈林（Keith Haring）活跃在纽约街头，随后投身于平面设计、时尚设计等领域中。
波普艺术是流行艺术（popular art）的简称，又称新写实主义，因为波普艺术（Pop Art）的POP通常被视为“流行的、时髦的”一词（popular）的缩写。波普艺术这个词最初是由英国艺术评论家Laurence Alloway所提出的。它代表着一种流行文化，是一种探讨通俗文化与艺术之间关联的在美国现代文明的影响下而产生的一种国际性艺术运动，多以社会上流的形象或戏剧中的偶然事件作为表现内容。
每当聊起波普艺术时，安迪·沃霍尔的名字总是最常被提及。许多人认识波普主义的标志性作品，或许就是安迪·沃霍尔的那组玛丽莲·梦露的重复彩色照片。他除了画画，还涉足摄影，导演电影，为摇滚乐作曲、自办杂志，甚至还出书成为作家。
罗伊·利希滕斯是美国波普艺术发展史中的又一重要人物，以标志性的漫画图像闻名。消除细节、增强对比度，并将文字旁白也一并转化放大到画布上的方式，成为利希滕斯坦作品的标志之一，意在强调，商业印刷图像的陈词滥调。其中《吻》是他广为人知的代表作。
草间弥生（Yayoi Kusama）在1957年离开日本，在约结识了安迪·沃霍尔等知名人物，并在20世纪60年代为波普艺术展览提供了许多颠覆性的日常用品，包括沙发、橱柜和高跟鞋等。点成为她的标志性符号。她曾经描述她这一生对世界的感觉就像被囚禁于“自然、宇宙、人类鲜血以及花”的强烈情感中，她将这种斗争情感融进了她的艺术作品中。
行为艺术是经过艺术家亲身加入和精心策划而推出的某种行为或事件，并通过与人交流，一步步发展，形成结果的过程。这种互动性就很能彰显e人的本性。
谢德庆在艺术实践中持续使用自己的身体作为载体，时间是他重要的创作主题。他每年会有一次演出，他的作品都是在探讨时间的流逝，或者说“生命就是一场无期徒刑”。在他的作品中，他将自己的表演剥离为一些基本活动，如“等待”（如《时间钟表》）或“行走”（如在《户外作品》中，谢德庆在纽约街头度过了一年，并在地图上记录了他的日常巡视）。
作品《一年演出 1980—1981（打卡）》 和普通工作的上班族早晚上下班打卡不同，他会每小时都会在固定地方进行打卡，每次也都会拍照留存，包括夜晚。这一次，他摆脱了牢笼的束缚，却被困于时间之中；这一年，他没有一次睡觉超过60分钟，没有一次离开超过1个小时。看似收获自由的他，却依旧被束缚于打卡机前
作品《一年表演1983—1984（绳子）》 这一年，谢德庆和一位女艺术家琳达（Lina Montano）一起完成了他的第四件作品“绳子”。绳子本就是一个具有束缚意味的东西，更何况谢德庆将自己和琳达用一根8英尺长的绳子绑在一起，共同生活了一年。一年中，任何时间和地点，两人都需在一起，但不能有任何身体接触。一条短绳看似拉近了二人的距离，但两人也因此多次发生争吵，并想要剪断绳子，分道扬镳。这一次，他用一根绳子困住了自己
作品《1986—1999（十三年计划）》 谢德庆开启了一场长达13年的计划，这期间他没有告诉任何人这部作品的内容。计划从1986年12月31日他的36岁生日开始，一直持续到1999年12月31日他的49岁生日，这13年中他会创作艺术，但不会公开展示。2000年1月1日，他发表了总结报告：“我让自己活着。我熬过了1999年12月31日。” 该报告由粘贴在一张纸上的剪纸字母组成
伊夫·克莱因（Yves Klein）是20世纪最有影响力的法国艺术家之一，生活在1928年到1962年之间。他最著名的作品是以一种特殊的蓝色而闻名，这种蓝色后来被称为“克莱因蓝”（International Klein Blue, IKB）。除此之外，他的“活笔技术”“人体测量学”，包括“自由飞翔”行为表演等，都揭示了他作为行为艺术和当代艺术非物质实践先锋艺术家的事实，他将整个生活视为一件艺术品，如同他所说的：“艺术家目光所及之处，都是艺术。”
艺术生涯伊始，她就开创了独特的行为艺术。在探索肉身和精神极限的过程中，她经受了痛苦、疲惫和危险，以期探求情感和精神的变革。1997年威尼斯双年展，她被授予金狮奖“最佳艺术家”。2010年，玛丽娜在美国纽约现代艺术博物馆（MoMA）举办了首次大型回顾展，在作品《艺术家在场》中，她持续进行了七百多小时的即兴行为艺术表演。她还成立了玛丽娜·阿布拉莫维奇学院（MAI），为长期的、非物质性的创作提供平台，为各领域思想家的互相合作创造新的可能性。
阿布拉莫维奇&乌雷 《AAA AAA》1978年 这是阿布拉莫维奇和乌雷在比利时一家电视台演播室表演的作品。他们第一次表演时，没有观众。之后，他们为了录制他们的作品，在荷兰又表演了一次。在《AAA-AAA》中，他们面对面跪坐在地上，对着彼此大声尖叫，直到其中一人失声
《节奏0》（Rhythm 0, 1974）她躺在那不勒斯的一个画廊里，旁边是一张放着72件物品的桌子，桌上既有玫瑰、蜂蜜等令人愉快的东西，也有链条、鞭子、十字弓和捕鼠器等危险物品，甚至还有一把上膛的手枪。在整个表演过程中，玛丽娜把自己麻醉、，而参观者被允许用桌上的任何物品对她做任何想做的事。她的身上至今仍留有这场表演造成的疤痕
在博洛尼亚的在 G7 工作室画廊，阿布拉莫维奇和乌雷表演了《时间中的关系》。他们的头发在脑后绑在一起，像安全绳一样把他们系在一起。他们保持这样的姿势 16个小时，期间，没有任何观众在场。阿布拉莫维奇放置了一个节拍器在工作室画廊里，通过滴答滴答的声音，能够标示出时间的缓慢流动。摄影机周期性地拍摄下阿布拉莫维奇和乌雷逐渐疲惫的坐姿，和随着时间流逝而渐渐变乱的头发。第 17 个小时之后，画廊开放给观众
这是各i人、e人心目中的艺术清单吗？不过只要热爱艺术，我们就是相亲相i的e家人。欢迎留言和小编分享你的人格属性及喜爱的艺术家~
【版权声明】本微信登载的声明原创内容均为《收藏·拍卖》独家原创，未经授权不得擅自转载和使用。
特别声明：以上内容(如有图片或视频亦包括在内)为自媒体平台“网易号”用户上传并发布，本平台仅提供信息存储服务。
外媒：普京称俄已准备好与乌谈判，但需以2022年俄乌未来和平协议草案为基础
又超过我国广东和江苏！上半年，韩国GDP为9414亿美元，增长2.8%
TrendForce：预估苹果 iPhone 16 系列下半年产量达 8670 万支
TrendForce：预估苹果四款新机2024下半年产出总量达到8670万支
手机制造商 Osom 宣布关闭，此前 CEO 被曝挪用公款购买兰博基尼